jueves, 31 de diciembre de 2009

Mis mejores pases en el cine durante 2009

Juraría que había hecho una lista así en 2008 pero revisando mi historial veo que no. A ésta seguirá, por cierto, lo mejor del 2009 (o mejor dicho, lo que más me gustó). Y antes de continuar, quiero expresar mi agradecimiento a todos los lectores y amigos de Joel vs. Los Monstruos, por seguir haciendo divertido este ejercicio durante todo el año. ¡FELIZ 2010!

Ahora, inspirado por los Fotogramas de Diezmartínez y los Pases del Duende Callejero, aquí está, prácticamente en el orden en que ocurrió, lo que más disfruté en 2009 sentado frente a una pantalla de cine (o de tele gracias a algún DVD):

1. El hermoso rostro de Rosario Dawson llenando la pantalla, mientras toma un baño en tina, hacia el final de Seven Pounds.

2. Rebecca Hall (Vicky) transfigurándose en Woody Allen durante la cena con Scarlett Johanson (Cristina) en la que Javier Bardem (Juan Antonio) se presenta con su inusual propuesta. Vicky Cristina Barcelona.

3. Eli el vampiro trepando por la pared exterior de un edificio, apenas llamando nuestra atención, en Déjame Entrar.

4. Los carteles pornosos de las doñitas burlesqueras de Coraline.

5. Todo el prológo de Up.

6. Leonard Nimoy como Spock otra vez: I have always been and always shall be your friend. Star Trek.

7. La marmota Ahab, digo, Buck presto a arponear al objeto de su obsesión: La Gran Bestia Blanca en La Era de Hielo 3. Y ese mundo perdido bajo el hielo, inspirado sin duda en el de Edgar Rice Burroughs.

8. "Here kitty, kitty..." la mejor carcajada en Drag me to hell.

9. Ben Kingsley en You kill me.

10. Los canadienses Rush (mi banda favorita de rock) en I Love You, Man.

11. Mi amigo el Chuy Padilla babeando ante la cajera de banco Patricia Llaca, en Recién Cazado.

12. Steve, el changuito, sacándole el corazón a un oso de gomita en la pelea climática de Cloudy with a chance of meatballs.

13. Rachel McAdams a lo largo de The Time Traveler's Wife.

14. El sonido de Landa masticando el pastel de manzana en el restaurante francés en Inglourious Basterds.

15. La destrucción de Los Angeles en 2012. Fue más impactante ver y oír edificios y gente caer entre las grietas que las olotas inundando los Himalayas. Y además fue como dos horas antes...

16. "Fuck Facebook!" por James Taylor, en Funny People. Gran cierre a su interpretación en vivo de Carolina in my mind, si quieren mi opinión.

17. El Fantasma de las Navidades por Venir en A Christmas Carol, de Zemeckis.

martes, 22 de diciembre de 2009

¡Jabón! ¡Para la cara, las manos, el cuerpo! ¡¡¡JABÓN!!!

Ayer en la tarde me asomé, por coincidencia primero y después por decisión propia, al canal Azteca 7 mexicano. Antier había muerto la actriz estadounidense Brittany Murphy, de treinta y dos años y con una filmografía prácticamente olvidable, hasta donde la conozco. Y ayer en la tarde, Azteca 7 programó algunas de esas películas, una tras otra, supongo que en un intento de homenaje a la joven Murphy.

Mientras transmitían las películas, en una esquina superior de la pantalla había un dibujo de un moñito negro y en la parte inferior circulaba una banda de texto, dando información sobre la muerte de Murphy, con notas tan iluminadoras como el hecho de que "no se sabe si cambió su testamento para incluir a su esposo" o comentarios acerca de su delgadez y probables enfermedades.

Por supuesto, tanto la película con moñito negro en pantalla, como estos textos "informativos" eran interrumpidos cada cinco minutos, más o menos, para comerciales de lo que usalmente se anuncia en televisión, desde jamón sin grasa o juguetes al por mayor para estas fechas, hasta el consabido e iniciador de todo el asunto de la televisón comercial: jabón. Horas y horas de la tarde de ayer dedicadas a vender jabón usando como pretexto la muerte de una actriz estadounidense de la que la mayoría de los mexicanos seguramente ni podíamos relacionar su nombre con una cara (al menos yo no), hasta ver alguna foto en el periódico o, por supuesto, su trabajo en esa programación de ayer patrocinada por el jamón y el jabón.

Sin hacer menos el hecho de que (casi) toda muerte es sensible (al menos para los amigos y familiares del fallecido) hubiera usted pensado que se había muerto la actriz más grande de todos los tiempos o, al menos, la más querida. Hasta donde sé (y, repito, no sé mucho), ni lo uno ni lo otro con la joven Murphy.

En agosto pasado murió acá en México la bellísima y talentosa Yolanda Varela, de quien Ernesto Diezmartínez y sus lectores en el blog Vértigo hemos profesado colectivamente y más de una vez una devoción que raya en lo infinito. Hasta donde recuerdo, no ví ninguna tarde dedicada a las películas de la Sra. Varela, al menos no en los canales de tele abierta. Y mire que hay tela de dónde cortar, empezando por "Dos Tipos de Cuidado", en mi opinión la mejor comedia mexicana de todos los tiempos. O (y para no cansar haciendo una lista larga) qué tal "El Muro", si las televisoras hubieran querido verse más internacionales.

En el año seguramente han muerto otras actrices, mexicanas y extranjeras, más o menos famosas. No entiendo las razones para la distinción de TV Azteca a Brittany Murphy pero, pensándolo bien, no me hubiera gustado ver horas y horas de películas de Yolanda Varela con un moñito electrónico negro en la esquina de la pantalla, ni con un cintillo de texto informándome de asuntos tan personales como un probable testamento cambiado o no. Ni mucho menos especular sobre las enfermedades de la señora. Ni, por supuesto, ser interrumpido cada cinco minutos en ese homenaje para gritarme a la cara: ¡¡¡JAAAABÓN!!!

domingo, 20 de diciembre de 2009

Sideways a la Mexicana / I: Yo y mi bocota

Uno de los inesperados placeres agregados al de escribir (y ser leído) en este blog, desde hace poco más de dos años, ha sido encontrar amigos con intereses muy distintos a los míos, de quienes voy aprendiendo, generalmente de forma muy divertida, que no todo es cine. Dos de ellos, Miguel Fimbres y Rafa Ibarra, mantienen amenos blogs con el vino como tema principal pero no único. En mis ligas de la derecha pueden encontrar el camino a sus blogs. En esta pequeña serie doy cuenta del fin de semana en que nos movimos del mundo del blog al mundo real, para conocer y reconocer la Tierra del Vino Mexicano...


"No hay vinos de autor" nos dice Juan Pablo Núñez, Director General de Bodegas de Santo Tomás, la primera casa vitivinícola de Baja California. "En todo caso, el trabajo de quien usualmente es llamado 'el autor' del vino se acerca más al de un director, que canaliza los esfuerzos de todo un equipo, para realizar su visión. Desde la preparación de la tierra y la vid, hasta la elección de la botella, la etiqueta y el corcho, pasando por cada etapa del proceso." Juan Pablo procede a destapar una botella numerada de Vultus, un tinto firmado por él, para servirnos una copa y platicarnos sobre este delicioso vino de autor. Perdón, de director. Quién hubiera pensado que un buen vino es como una buena película.

Me encuentro en la Cava Baro, un taller experimental de Bodegas de Santo Tomás, abierto al público recientemente, como parte de los esfuerzos de la centenaria compañía por promover la cultura del vino en particular y del campo en general, en México. Junto con un pequeño grupo, encabezado por Miguel Fimbres (de Amigos de la Vid) y Rafa Ibarra (de El Mundo de Rafa Ibarra), estudiosos del vino y dedicados "blogueros" especializados en el tema, me dispongo a diseñar mi propio vino. Este taller es el remate a un intenso fin de semana en que conviví, entre baños de gasolina, lecciones relámpago de cata, chocolates, Turcos (hay explicación más adelante), burritos, lluvia, lodazales, balidos (sí, balidos: prometo explicar todo), carcajadas, columpios, estrellas fugaces, canción y baile y sobre todo, vinos. Ricos, deliciosos e inspiradores vinos.


Y pensar que todo empezó con una queja. El verano pasado, Rafa Ibarra ("No soy Sommelier") publicó en su blog sobre vinos y cerveza, la crónica y notas de una cata de las distintas líneas de vinos Santo Tomás, ofrecida por Juan Pablo Núñez en Monterrey, a donde viajó con sus vinos para respaldar, en la propia tierra de Rafa, sus argumentos a favor de Santo Tomás, surgidos durante una discusión en el blog buenavida, donde varios entusiastas del vino poco menos que destinaban esa etiqueta al caño. Las favorables notas de Rafa sobre esa cata, así como el recuerdo de mis primeros amores con el vino Santo Tomás (un Cabernet Sauvignon que probé hace 15 años y un Calviñé, hace unos 10 años, en las propias bodegas en Ensenada), me animaron a reclamar públicamente a Juan Pablo, en tono festivo, por supuesto: "Hombre, estando Ensenada tan cerca de El Centinela (cerro emblemático de Mexicali, mi rancho), te vas hasta el Cerro de la Silla..." Yo y mi bocota.

El viernes 11 de diciembre fue la cita en que me sentaría lado a lado con Rafa, Miguel Fimbres (a la derecha en la foto, seguido de Juan Pablo -copa en mano-, Rafa y un servidor) y treinta y tantas personas más, la mayoría conocedores de vinos y técnicas de cata, a probar los vinos presentados por Juan Pablo. Yo, un perfecto ignorante, además recién bañado tres veces con tres jabones distintos, para quitarme de encima el olor a gasolina escupida por mi carro una hora antes ("Magna Sin Plomo 2009" casi pude oír a Miguel Fimbres cuando me acerqué, demostrando las habilidades de su entrenada nariz de catador), tuve de pronto frente a mí varias copas que se fueron llenando de seis vinos distintos (la línea Vientos), maridados con chocolates de La Suiza, compañía hermana de Santo Tomás. Por supuesto, dejo a los expertos reseñar los vinos, aquí Miguel Fimbres. Yo simplemente diré que los maridajes fueron muy interesantes e inesperados. Tanto vinos como chocolates son altamente recomendables, juntos y por separado.

Después de la cata, Juan Pablo nos invitó a firmar un par de botellas del riquísimo Único 2005, vino diseñado por Laura Zamora, enóloga de Santo Tomás; estas botellas que con placer vaciamos los presentes son las primeras que se abren al público en México, así que de alguna manera he pasado a formar parte de la historia de la compañía. Luego de la foto del recuerdo, nos despedimos temprano, ya que a la mañana siguiente saldríamos en petit comité rumbo a la Tierra del Vino en Baja California: los Valles de Ensenada.
(Continuará...)

viernes, 18 de diciembre de 2009

Canción de Navidad / A Christmas Carol ***

(A Christmas Carol, EUA 2009) Clasificación 'A'
Calificaciones ****Excelente ***Buena **Regular *Mala
Excepto los niños muy pequeños, ¿habrá quien no conozca las peripecias de Ebenezer Scrooge en esa terrible víspera de Navidad? Debo decir que estoy con Bob Zemeckis, que escribe y dirige una enésima adaptación del obligado y favorito cuento Canción de Navidad, de (insisto, ¿realmente es necesario aclararlo?) Charles Dickens. Para mí, especialmente en estas fechas, nunca se tiene suficiente Scrooge y respectivos Espíritus de las Navidades Pasadas, Presente y Futuras. Ahora... ¿cabe esta versión dibujada y animada por computadora con la visión de Zemeckis?

Confieso que no tengo idea de cuántas adaptaciones he visto, escuchado y leído con la historia de los tres fantasmas que aterran al avaro Scrooge y lo convierten en un hombre generoso y ejemplar. Cintas de ación viva para cine, otras animadas (Mr. Magoo y Mickey Mouse vienen a la memoria) y hasta el televisivo Hombre de los Seis Millones de Dólares de los '70s ha tenido su turno en el cuento dickensiano; versiones para radio y los infaltables libros clásicos ilustrados para niños han ayudado a popularizar la historia durante generaciones.

Entonces, ¿cuál es la excusa de Zemeckis? Para empezar, no otra que continuar con la obra animada en la que ha estado encarrilado desde El Expreso Polar y Beowulf, usando animación de dibujos por computadora, a base de captura de movimientos de actores. Nuevamente los dibujos de humanos y escenarios son presentados de manera tan realista que a ratos se duda de si lo que se ve es dibujado o simplemente fotografiado en escenarios físicos y con personas de carne y hueso.

En sus películas animadas, Zemeckis ha conseguido un estilo visual en los dibujos de personas, que se acerca mucho a la realidad sin llegar a ser aberrante (es decir, no llega al famoso valle inquietante que provoca repulsión ante un facsímil humano). Además, una buena parte del atractivo es atestiguar la presencia de los actores que dan vida a los dibujos, aún si las imágenes no corresponden a la real del actor. Por ejemplo, en El Expreso Polar no cabe duda que a quien vemos es Tom Hanks, pero en Beowulf uno tiene que hacer un esfuerzo para reconocer a Ray Winstone como el héroe o, mejor aún, a Crispin Glover como el monstruo.

En Los Fantasmas de Scrooge, toca el turno a Jim Carrey seguir los pasos de Hanks al representar varios personajes: además del protagonista, Carrey actúa los movimientos y las voces de los tres Espíritus de las Navidades (bueno, las voces de los dos primeros espíritus, se entiende, ya que el de las Navidades Por Venir nunca habla). Jim Carrey siempre ha sido un actor que se apoya mucho en su exagerado lenguaje corporal y vocal, por lo que el resultado es Carrey puro y de paso le otorga al asunto cierto giro no contemplado por Dickens originalmente, al permitir la reflexión de que los espíritus son más bien una extensión de Scrooge. Su conciencia, pues.

Algunos de los actores que complementan resultan evidentes, como Colin Firth (el sobrino Fred), Gary Oldman (Bob Cratchit), Bob Hoskins como el antiguo jefe de Scrooge; y otros no tan evidentes: Robin Wright Penn hace dos papeles de jóvenes mujeres que, aunque bellas, no se parecen a ella; Cary Elwes definitivamente no es un hombre mayor y obeso; Fionnula Flanagan, aunque mayor, ciertamente no es una vieja decrépita y especialmente Gary Oldman no se adivina como el Pequeño Tim.

Las calles del Londres de mediados del siglo 19 son presentadas con un realismo romántico y a la vez funcional para la historia, con lo cual quiero decir que hay suficientes vuelos de pájaro y vertiginosas caídas por calles y callejones por parte de Scrooge como para llenar el catálogo de ese antiguo Londres para Google Earth y Google Street View.

En su adaptación, Zemeckis toma las páginas de Dickens y de hecho pone los textos en labios de sus personajes, resolviendo ciertos pasajes resumidos en el cuento, de la misma manera en pantalla, sin cortes visuales al personaje de Scrooge (por ejemplo, toda la secuencia del día de Navidad, desde el despertar de Scrooge hasta la cena en casa de Fred) y continúa hasta el día siguiente con el encuentro entre Cratchit y Scrooge, resolviendo la narración final con una extensión de ese encuentro. Con curiosidad, tuve que volver al texto al terminar la película, porque no recordaba esa resolución y debo decir que me gustó lo hecho por Zemeckis.

Finalmente, esta versión de Cuento de Navidad me ha satisfecho en todos los sentidos. Fiel al texto de Dickens, transmite muy bien la ansiedad y el terror de ser visitado por fantasmas en medio de la noche (una de las razones por las que este cuento ha sido uno de mis favoritos desde niño). Igualmente logra la simpatía por Scrooge al visitar su pasado y redondea muy bien la conocida historia, con una propuesta visual espectacular pero completamente útil narrativa y dramáticamente.

Al margen, un par de comentarios sobre su estreno en cines. Primero, la versión tridimensional hace un buen uso general del efecto y tiene varios momentos geniales (por ejemplo, las secuencias del Espíritu de las Navidades Por Venir) pero seguimos teniendo los anteojos que restan brillantez a la imagen, son un poco demasiado pequeños para los adultos (alguien con lentes no puede usarlos cómodamente) y un poco demasiado grandes para los niños. Sigo sin encontrar justificación al efecto y al sobreprecio.

Mi otro comentario es acerca de la versión en Español estrenada en México. Además de la estúpida decisión de Disney de dejar fuera la opción de una versión en Inglés, subtitulada, el haber cambiado el título para México me parece que es una muestra más de la pobreza intelectual que los distribuidores asumen del público. "Los Fantasmas de Scrooge" es un título completamente obvio, masticado, rumiado y regurgitado en las marquesinas para apelar a un potencial público ignorante que tal vez -pensarán esos mercadólogos- no tenga idea de quién es Scrooge pero correrá a ver una película de fantasmas sin chistar.

Y ya en ello, me sorprende el cambio de una frase icónica del texto en Español, tal vez como corrección política y no como decisión creativa. ¿Por qué el Pequeño Tim pide "Bendiciones para todos" en lugar de exclamar "¡Que Dios nos bendiga a todos!"? Si la versión de Zemeckis en Inglés es fiel al texto y, siendo una historia precisamente de Navidad, Dios es mencionado y varias imágenes y sonidos hacen referencia a Cristo y a la Iglesia, ¿por qué eliminarlo en la clásica línea final en la traducción? Y sobre todo, ¿en la versión para México, un país noventa y tantos por ciento cristiano? Me temo que, igual que en otros muchos aspectos de nuestra vida y cultura nacional, hay gente muy idiota pensando por el resto de nosotros. La idiotización de México. Dios nos bendiga a todos...

jueves, 17 de diciembre de 2009

2009: La recta final

A menos de dos semanas de que termine 2009, me preparo para los varios pendientes que me he autoimpuesto y uno que otro solicitado por algunos de los estimados lectores de Joel vs. Los Monstruos (Paxton, sí tendré el resto de la serie de Disney; Carlos, sí habrá temas navideños aunque el homenaje a los Aliados tendrá que esperar; Adayin, la lista de lo mejor del año... hasta que termine el año: échale la culpa a mi rancho; Maquiavélica... ¿fotos? el blog es Joel vs. Los Monstruos, no Joel El Monstruo... aunque se ha sabido que imágenes mías han sido captadas por accidente y publicadas en alguna parte de la red, incluso mientras ustedes leen ésto).

Espero los artículos de los siguientes días les resulten divertidos y sean de su interés. Gracias por leer.

viernes, 11 de diciembre de 2009

¡CAMEROOOOOON!

Esta semana, contra mis convicciones, ví los avances de Avatar en 3D, no sin cierto nerviosismo, nomás para ver si con el puro corto tenía para reconsiderar todo lo que sabía sobre ver cine y... no pasó nada. Se acabó el corto, empezó la función, me comí mis palomitas y me tomé mi soda, se acabó la película, leí los créditos, me levanté, fui al baño, me lavé las manos antes y después, me subí al carro y regresé a mi casa. No cambió nada.
Bueno, sí cambió algo: ví un corto. Maldito seas, James Cameron; me has cambiado.

martes, 17 de noviembre de 2009

10 Principales razones por las que sobrevivirás al fin del mundo.


10. Eres chofer de limosinas pero en tus ratos libres eres un escritor reconocido en la comunidad científica.
9. Tu ex esposa es Amanda Peet pero en sus ratos libres todavía te hace ojitos.
8. Eres el único ser humano en el mundo que oye en la radio al loco mariguano que predice el fin del mundo correctamente.
7. El nuevo marido de tu ex es médico cirujano pero en sus ratos libres puede pilotear desde avionetas hasta cargueros rusos.
6. Eres el único ser humano en Los Angeles al que se le ocurre rentar una avioneta para escapar del terremoto en California.
5. Y el único al que se le ocurre robarse el carguero ruso repleto de turbosina para escapar de Las Vegas.
4. Siempre que te pierdes en los Himalayas, encuentras un obrero chino que habla Inglés, que es primo del Dalai Lama y que además construyó el único barco que aguantará el ramalazo del 2012.
3. Tu hija de ocho años tiene un problema sicológico que superar antes de que se acabe el mundo (OK, OK, se orina en la cama).
2. Cuando te caes por un precipicio, siempre reapareces por la orilla, primero una mano, luego la otra...
1. Tu hermana es Joan Cusack pero Roland Emmerich no te aceptó la cláusula de contratarla para la película también.
¡DING DING DING DING!!!!

lunes, 2 de noviembre de 2009

Joel vs. Dos Monstruos

Entre Halloween y Día de Muertos, aquí mis reseñas de Toy Story 2 (en 3D) y Esto Es Todo, de Michael Jackson.

Michael Jackson Esto Es Todo ***

(This Is It, EUA 2009) Clasificación 'A'
Calificaciones ****Excelente ***Buena **Regular *Mala

Si a usted le gusta la música de Michael Jackson, Esto Es Todo le va a encantar. He aquí un documental que, ante todo, intenta presentar lo más parecido a un concierto de Michael Jackson cantando sus más grandes éxitos, si bien en un ambiente íntimo, ya que lo que vemos son los ensayos a puerta cerrada para los conciertos que este año Jackson daría en Londres. Aún así, podemos verlo interpretar completas poco más de veinte canciones, algunas casi completamente montadas para el concierto, con bailarines, músicos y coros en vivo, todos dirigidos por Kenny Ortega y el propio Jackson.

Ahora bien, si usted espera aprender algo nuevo sobre Michael Jackson, no es aquí donde lo va a encontrar. Kenny Ortega presenta de manera muy eficiente las veintitantas canciones, apenas con unos cuantos comentarios marginales por parte de sus colaboradores, ensamblando las imágenes tomadas con "algunas cámaras", como se advierte al principio, con una banda sonora muy bien producida. Como bono para los cinéfilos, se incluye una curiosa secuencia de efectos especiales que inserta a Jackson junto a imágenes de Rita Hayworth y Humphrey Bogart, aunque dudo que la mayoría del público joven que apenas llenó una veintena de asientos el fin de semana pasado en un cine del rancho haya reconocido las referencias. Películas en blanco y negro, al fin y a cabo.

Decía, si usted es admirador, probablemente atesorará este último "concierto" del artista fallecido el verano pasado y se identificará con los bailarines, músicos y equipo técnico que de vez en cuando aparecen en pantalla disfrutando las actuaciones de quien era evidentemente un artista muy admirado.

Obviamente esta película no es el lugar para explorar las distintas controversias protagonizadas por el cantante. Probablemente Sony haría mucho más dinero produciendo un documental al respecto, pero al menos hasta el momento se tiene la ¿decencia? de simplemente mostrar al mundo este ensayo general.

En mi caso, la personalidad y algunos actos publicitados de Jackson me resultaron aberrantes y hasta detestables desde hace unos quince o viente años, pero no por eso he dejado de disfrutar varias de sus canciones, particularmente las que se incluyen en el disco Thriller. Creo que no estoy solo, ya que el punto medio de la película precisamente retoma estos éxitos, interpretados lo más fielmente posible como en las grabaciones originales, buscando apelar a toda esa fanaticada que se sabe los discos de memoria. Curiosamente el famoso paso "Moonwalk" que todo mundo ha recordado en los últimos meses, aquí brilla por su ausencia. Tal vez hasta Michael estaba harto de sus propios clichés.

Y curiosamente también, las salas de cine acá en el rancho están vacías de esos hipotéticos admiradores y fanáticos que supuestamente han llorado su muerte los últimos meses. ¿Esto es todo?

domingo, 1 de noviembre de 2009

Toy Story 2 ****

(EUA, 1999) Clasificación 'AA'
Calificaciones ****Excelente ***Buena **Regular *Mala

Nota: Esta reseña es sobre la versión reestrenada en 3D. Mi opinión al respecto, al final.

Qué gran película. John Lasseter y compañía vuelven al cuento de los juguetes, básicamente expandiendo la idea del juguete perdido que dispara una misión de rescate por parte de los otros juguetes y en el proceso descubre su verdadero valor en el mundo.

Las grandes escenas en Toy Story 2 van encadenando la historia desde el inicio: la batalla de Buzz contra Zurg; la pesadilla de Woody con Andy; el encuentro de Woody con "su pasado"; la odisea de los juguetes encabezados por Buzz para recuperar a Woody y finalmente el emocionante rescate en el aeropuerto.

En medio de todo esto, Toy Story 2 no sólo abunda en los chistes y las situaciones presentadas en la primera película, sino que explora con éxito el humor a base de referencias a la cultura popular, algo no hecho hasta ese momento por Pixar, como esos guiños a Darth Vader y Luke Skywalker o esa persecusión del T-Rex vista en el espejo del automóvil; o bien el propio impacto que Toy Story tuvo en el mercado infantil, con nada menos que Barbie explicando (en perfecto Californiano) cómo en 1995 las jugueterías poco visionarias se quedaron sin muñecos de Buzz Lightyear ante la gran demanda.

Y nuevamente la película encuentra su corazón en lo que un juguete representa para su dueño. Y viceversa. En Toy Story, Woody concreta el rescate de Buzz haciéndole ver lo que significa ser un juguete con dueño y de hecho toda la aventura inicia cuando el propio Woody se siente celoso y amenazado con la llegada de nuevos juguetes al cuarto de Andy. En Toy Story 2, Woody contempla la posibilidad de la vida después de que Andy lo arrumbe y olvide. Así, no suena tan mal el mudarse a un museo para juguetes en Tokio, aunque ya nadie vuelva a jugar con él. Jessie la vaquerita, como una extensión de Woody, es el vivo ejemplo de qué pasa cuando un niño olvida sus juguetes al crecer.

Tres secuencias favoritas: la primera, precisamente el número musical que resume la historia de Jessie y Emily, la niña a la que alguna vez perteneció a fines de los 1950s. La segunda, el encuentro de Woody con "su" glorioso pasado como una marioneta de la televisión de la época pre-satelital. Y tercero, esa minipelícula donde un venerable anciano despliega un maravilloso cajón de herramientas para, con gran cuidado y todo detalle, restaurar amorosamente al roto y gastado Woody. Mención aparte el gran final, con el pingüino Wheezy cantando como un gran crooner, "Yo soy tu amigo fiel", mientras todos los juguetes bailan al compás de las Barbies en el mejor estilo de Ann Margret.

En su reestreno en 3D, aunque en esta ocasión me salté la versión original en Inglés, nuevamente he disfrutado el doblaje para México, con actores nacionales que, en mi opinión, hacen un perfecto Tom Hanks como Woody y un muy buen Tim Allen como Buzz. Además, gratamente descubro que la voz que me gustó tanto en el doblaje para Jessie (en el Inglés original, Joan Cusack) es Irán Castillo. La nota discordante vuelve a ser la voz cantante durante la secuencia de Jessie y su antigua dueña; una sentida canción bellamente interpretada por Sarah McLachlan en Inglés pero que en Español, Alessandra Rosaldo disminuye con vocales destruidas y sin poder sacudirse cierto timbre gutural que nunca me ha gustado en ella.

Ahora, sobre la versión en 3D. Respire hondo, estimado lector, porque estoy a punto de anunciar mi cambio de opinión respecto a esta tecnología que no me ha convencido y hasta me ha molestado a lo largo de este año. Toy Story 2 hace un excelente uso de la profundidad de campo desde la primera secuencia y a diferencia de Toy Story, debo decir que esta segunda parte se beneficia MUCHO del efecto. Me atrevo a decir que es la primera película de Pixar realmente pensada para ser proyectada con el efecto estereoscópico, por lo visto en casi cada escena. Pero... ahí siguen los molestos lentes para rostros infantiles, la imagen un poco más oscura y los paneos borrosos. Así que, en realidad, *casi* cambio de opinión. Casi. Pero siga mi consejo y siéntese en la primera fila. Se disfruta mucho más.

La calidad del video no es muy buena, pero se disfruta la bella interpretación de Sarah McLachlan.

domingo, 18 de octubre de 2009

24 cuadros de terror **

(México, 2008) Clasificación 'B-15'
Calificaciones ****Excelente ***Buena **Regular *Mala

"Ahorita vas a conocer a mi otro yo..." dice amenazante el asesino a la heroína de 24 Cuadros de Terror, antes de bajarse el cierre del pantalón y en efecto mostrarle su otro yo. Líneas como ésta, menos incómodas, mejor intencionadas y más efectivas en películas de Alfonso Zayas y El Caballo Rojas, hacen de 24 Cuadros de Terror una cinta de terror bastante dispareja.

Dirigida por el prolífico Christian González (veo en la IMDB que esta es su película 73, entre títulos como El Clon de Hitler y Sí Desearás la Mujer de Tu Narco, que no he visto pero cómo quisiera, la verdad), nos presenta una serie de sanguinarios asesinatos de mujeres, cometidos por un clon de Sandro de América enfundado en ropa setentera de segunda (Gerardo Murguía), quien ha tenido la decencia de filmar todos sus crímenes en Super 8, incluyendo su suicidio. Lo que me hace preguntarme: ¿quién detenía la cámara? Para que sus crímenes pasaran a la posteridad, Sandro el Asesino vecino de Jaimito el Cartero (juro que el set es igualito a La Vecindad del Chavo) tiene la decencia de reencarnar u ocupar el cuerpo de otro chavo (Rafael Amaya), que aparentemente se encarga de conseguir la ropa en Tepito y hacer las transferencias de Super 8 a digital, para que los pueda editar una chamacona (Raquel Bustos) que en otra vida se echa sus Victorias con el potrillo Alejandro Fernández y un cardiólogo borracho.

Aunque la meta del asesino reencarnado es hacer la mejor película de terror jamás filmada, la verdad es que, según la editora, el tipo no sabe mucho de cine y sus crímenes no tienen mucho sentido ni continuidad, por lo que, al modo de una Sherezada de la era digital, la chamaca se mantiene viva durante lo que en efecto parecen mil y una noches, sin que Sandro se la eche al plato (bueno, excepto por la escena descrita arriba), con el viejo cuento de que ella sí puede darle coherencia a la historia. Mientras tanto, Sherezada gorrea galletas Ritz con queso y jamón, unas botellas de Padre Kino y se prueba todos los saldos de ropa y zapatos de La Lagunilla de hace 40 años.

24 cuadros de terror entretiene bastante por lo que ya he apuntado pero también, siendo justo, por varios momentos que me resultaron genuinamente inquietantes; empezando por los asesinatos en Super 8 y algunas de las escenas de pesadillas de la heroína. Lamentablemente el humor ¿involuntario? y algunas actuaciones acartonadas (en particular el asesino reencarnado de Rafael Amaya y Ana Ciocchetti como el incomprensible personaje de ¿Las Mellizas?) rompen el trance de terror en que González nos quiere sumir (_______ espacio para que anote su propio albur).

domingo, 11 de octubre de 2009

Toy Story ****

(EUA, 1995) Clasificación México: 'AA'. EUA: 'G'.
Calificaciones ****Excelente ***Buena **Regular *Mala

Hay dos momentos en Toy Story que para mí son mágicos. El primero, a unos minutos del inicio, después de que vemos a los juguetes actuar un frustrado robo al banco, movidos por Andy, un niño que además hace las voces para todos sus muñecos. La secuencia de créditos, en que Andy juega con un muñeco vaquero, nos deja claro que este juguete es el favorito del niño. Andy corre y baila con él, le hace caballito, se desliza por el pasamanos de la escalera, salta sobre una silla giratoria y entoces... justo en ese momento la imagen que vemos cambia a una vista subjetiva de los pies del niño y las botas del juguete girando sobre esa silla. Excepto que el punto de vista no es el del niño, sino el del juguete. En ese momento la película cambia de dimensión y efectivamente nos mete en un Cuento de Juguetes. Mi corazón ríe ante la emoción de lo nuevo en la pantalla.

El segundo momento llega cuando Buzz Lightyear, el astronauta que no sabe que en realidad es un juguete, se da cuenta de su condición al verse en un anuncio de la televisión. Buzz literalmente se cae de la nube en que andaba y queda devastado, además de desarmado. Mi corazón se contrae.

En medio de estos dos momentos de magia cinematográfica pura y después (sobre todo después, con ese frenético y extendido final), el director John Lasseter nos cuenta una perfecta historia sobre la amistad y la lealtad. Nada original ni sofisticada pero sí repleta de risas y con un manejo visual completamente nuevo en el año en que se estrenó y que en 2009, catorce años depués en su regreso a las pantallas grandes sigue impresionando como el primer día.

Lo invito a leer dos reseñas de Toy Story, una de Ernesto Diezmartínez y la otra de Roger Ebert (en Inglés). Completamente de acuerdo con ambos.

Ahora, sobre el reestreno de Toy Story en cines, reimpresa (no reeditada ni con escenas adicionales) para ser vista con efectos tridimensionales. Fuera de la genial y excepcional idea de Disney (Pixar) de regresar uno, o más bien, dos de sus clásicos a la pantalla grande, debo decir que todo el asunto nuevamente sale sobrando y en el caso de espectadores pequeños, resulta hasta molesto. No sólo para Toy Story, sino para todo lo que se ha estrenado en 3D este año, el producto tiene tres fallas grandísimas.

1. Los lentes son muy grandes para niños menores de seis años y se deslizan fácilmente de la cara (esas naricitas nomás no los pueden sostener). Frustrante.
2. La imagen se oscurece. Punto.
3. Los movimientos de cámara (paneos), especialmente los rápidos, se vuelven borrosos. Qué caso tiene.

En su reestreno en México también se exhibe únicamente en versión tridimensional, lamentablemente. Mi recomendación si decide pagar el, en mi opinión, excesivo sobreprecio (prácticamente el doble de funciones regulares) es buscar la pantalla más grande de la ciudad y sentarse en la primera fila. Eso hice yo, las molestias fueron mínimas y el disfrute mayor.

Finalmente, otro momento que cosquillea en el corazón: la música de Randy Newman. Lo dejo, estimado lector, con esto que me encontré en YouTube:

domingo, 4 de octubre de 2009

Tres Rollos Tres

Llegó el otoño, se acabó el calor acá en el rancho y hubo ya algo bueno qué ver en los cines locales.
Acá abajito se puede leer el resultado de mis tres visitas recientes:
Identidad Sustituta, La Esposa del Viajero en el Tiempo y Lluvia de Hamburguesas.
Gracias y salud.

"¡Muera el PR... PT Traidor!": Identidad Sustituta **1/2

(Surrogates, EUA 2009) Clasificación 'B'
Calificaciones: ****Excelente ***Buena **Regular *Mala

"¿Qué te hiciste que estás tan suavecita?"
Darling

Bueno, supongo que sólo era cuestión de tiempo para que Bruce Willis se viera joven otra vez en el cine. Aquí es un rubio y ágil policía que con pelo y sin arrugas corre grácilmente tras un desconocido criminal, que dispara rayos con algo que parece una secadora de pelo. Sus blancos, unos robots con apariencia humana que de alguna manera están conectados (inalámbricamente y a distancia) a las personas que los controlan; cuando el robot hace corto circuito, al humano que lo maneja se le fríe el cerebro.

Escrita por John D. Brancato y Michael Ferris, de fama reciente por Terminator La Salvación y dirigida por Jonathan Mostow, quien también dirigiera Terminator 3, no debe extrañar tener escena tras escena con robots atacando a humanos y viceversa. En esta ocasión, el encuadre es una historia policiaca de engaños que me entretuvo pero francamente me dejó de interesar cuando empezó a dar vueltas sobre sí misma, permitiéndome deducir temprano en la historia por dónde y por quién se movían los hilos de los muñecos. Más o menos como la política mexicana, donde las mentadas identidades sustitutas dejaron de ser novedosas desde el siglo pasado. ¿O a poco alguien piensa que "Juanito" y López Obrador son originales?

En breve, Identidad Sustituta plantea que cuando los humanos seamos lo suficientemente güevones para peinarnos y salir de nuestras casas, lo haremos usando muñecos que nos harán ver a todos como yuppies bostonianos (acento perfecto de Willis, por cierto), hasta que los monos se descompongan, pasada la garantía, por supuesto, y nos demos cuenta que en realidad no somos tan bonitos, sino que en realidad nos vemos como Bruce Willis y Rosamund Pike en pijama. Bendito futuro.
Bruce Willis y Rosamund Pike.

sábado, 19 de septiembre de 2009

"¡Ya llegué, vieja! ¡Ya me voy, vieja!": The Time Traveler's Wife ***

(The Time Traveler's Wife, EUA 2009) Clasificación 'B'
Calificaciones ****Excelente ***Buena **Regular *Mala

Leanloquehicehoy, con saludos para Ana A.

Hoy viajé en el tiempo. Me visité a mí mismo cuando tenía cuatro o cinco años. Me encontré jugando en la calle de mi infancia y platiqué conmigo un rato. Le dije a ese niño que soy yo algunas cosas que considero importantes acerca de su vida futura/mi vida pasada, para que pueda/pudiera vivir una vida más feliz, menos difícil. Para que tome/tomara decisiones más inteligentes. No le dije a ese niño de cuatro o cinco años quién soy, pero traté de que entendiera la importancia de lo que le dije.

Lo anterior es una fantasía de mi cada vez más lejana adolescencia, seguramente disparada por esa permanente inconformidad con el mundo, propia de la edad. Aunque el tono y el contenido de la plática conmigo mismo variaba de una versión de la fantasía a otra, realmente nunca elaboré en un aspecto crucial: cómo viajar en el tiempo. Supongo que ante la imposibilidad de hacerlo realidad, el viaje en el tiempo ocurría en mi fantasía simplemente porque sí, porque lo necesitaba a esa edad, para ese encuentro conmigo mismo para tratar de enmendar el camino.

The Time Traveler's Wife toma un camino parecido, con un viajero en el tiempo que simplemente o hace, involuntariamente y sin una razón. A veces se encuentra consigo mismo a otra edad. La mayor parte de las veces simplemente viaja a otro año en su vida, pero no hay nada qué resolver ni hechos que cambiar. El viajero, Henry, acepta el viaje en el tiempo como quien acepta una alergia al polvo: los estornudos son molestos, pero ya pasarán.

Bueno, sí hay una explicación en la película, pero inteligentemente no se trata de ello, sino de las consecuencias o, mejor dicho, de una consecuencia: cómo llevar una vida amorosa con una persona si en cualquier momento se puede desaparecer en el tiempo, para regresar quién sabe cuándo después.

Dirigida por el alemán Robert Schwentke (Plan de Vuelo, 2005) y escrita por Bruce Joel Rubin (Ghost, 1990 y Stuart Little 2, 2002, de sus mejores guiones entre otros) a partir de una novela (que no he leído), The Time Traveler's Wife (que le digan "Te Amaré por Siempre", su idiota título para México, los comentaristas de espectáculos de Televisa y TV Azteca) empareja creíble y exitosamente a Eric Bana con Rachel McAdams en una historia a través de varias décadas que, más que preocuparse del "amor por siempre", se ocupa de una de las paradojas del viaje en el tiempo: el libre albedrío.

Si ya se sabe lo que va a suceder, ¿tiene algún sentido decidir cualquier cosa? ¿O las cosas que se sabe sucederán, lo harán por las decisiones que se tomen? Sin mayor alharaca, The Time Traveler's Wife toca con esta paradoja al viajero y a sus cercanos: padres, amigos, pareja y...

Lluvia de Hamburguesas ***1/2

(Cloudy with a Chance of Meatballs, EUA 2009) Clasificación 'AA'
Calificaciones ****Excelente ***Buena **Regular *Mala

En una escena clave de Lluvia de Hamburguesas, el maduro papá del héroe ofrece su incondicional ayuda para rescatar a todo el mundo de una catástrofe. Su veinteañero hijo, animado, le pide "Envíame, por correo electrónico, el archivo de mi computadora a mi celular". El atribulado padre, con toda su buena voluntad pero completamente ignorante en el uso de una tecnología en la que no está educado, impotente ante la pantalla de la computadora trata de descifrar lo que su hijo le acaba de pedir por teléfono. Lo que sigue a ese momento son las terribles (y, por supuesto, divertidas) consecuencias de esos bienintencionados deseos de satisfacer, sin una sustentación responsable.

Sony Pictures entrega la tercera buena película animada del año, siguiendo de cerca a Universal con Coraline y a Pixar con Up. Lluvia de Hamburguesas, dirigida a cuatro manos por los debutantes Phil Lord y Chris Miller, es una convencional historia del héroe improbable que salva a todo mundo, reivindicándose ante los demás y él mismo. Está basada en un libro para niños (que no he leído) que supe fue muy exitoso en los '80s y '90s.

Los puntos a favor (muy a su favor) son el estilo de humor escogido, que no abusa de referencias a la cultura popular contemporánea como lo hace Dreamworks una y otra vez (véase la fallida Aliens Vs. Monstruos, de la primavera pasada, como la muestra más reciente de esta ya cansada tendencia) y opta por chistes dirigidos a adolescentes y adultos, dejando para el resto de la familia (los niños, pues), espectaculares y entretenidas escenas de acción, con dibujos tridimensionales hechos y animados por computadora.

El otro punto, precisamente ese subtexto al obvio mensaje principal de superación y fidelidad a uno mismo: el reconocimiento de que las buenas intenciones no son suficientes. Si tan sólo lo aprendieran los políticos mexicanos, se darían cuenta de que al demagógico ofrecimiento de "Inglés y Computación" debería preceder un plan bien trazado para educar al país, primero, en Español y Matemáticas.

viernes, 18 de septiembre de 2009

"Remember when...?"

En días pasados recordaba en este espacio a los Beatles, por el relanzamiento de sus discos "remasterizados", que probablemente no vaya a comprar en el futuro cercano... También, esta semana, al recordar a Patrick Swayze, agregué un videoclip de Swayze como invitado en el programa estadounidense de comedia Saturday Night Live, haciendo pareja con el finado actor Chris Farley.
Este pequeño coctel me hizo recordar uno de mis momentos favoritos de todos los tiempos de Saturday Night Live, que mezcla prefectamente la comedia americana con la inglesa.
Se los comparto, estimados lectores, de una copia que encontré en la red:

via videosift.com

Y ya entrados en gastos, otro momento de Chris Farley en SNL, esta vez al lado de su amigo Adam Sandler, cuando ambos eran de lo mejor en el programa. Sea usted o no admirador del estilo de Sandler, vale la pena ver los poco más de 4 minutos completos, por la metamorfosis de Farley a tono con la creciente enfermedad del sketch:

lunes, 14 de septiembre de 2009

Nobody puts Baby in a corner

(Actualización el 15 de Septiembre, abajo.)
Una pequeña muestra del impacto de Patrick Swayze en la juventud ochentera, durante esta función al aire libre por el XX aniversario de Dirty Dancing, en 2007, en alguna ciudad norteamericana:

.
Niños y niñas, si ustedes no la vieron en su momento, aquí el final completo (hay que hacer click para ir a YouTube), empezando con la famosa (y en cualquier otro contexto, excepto aquí, ñoña) línea "Nadie pone a Beba en la esquina". Créanme, estimados lectores demasiado jóvenes para recordar: la gente salía bailando del cine.

Otra gran tarde de cine en los '80s, dirigida por Emile Ardolino haciendo los honores y sobre todo, por la coreografía de Kenny Ortega, con Jennifer Grey como la Beba en la esquina. R.I.P. Patrick Swayze.


Un pequeño pilón: Patrick Swayze en Saturday Night Live, bailando con Chris Farley. La calidad no es buena pero el sketch se ve y oye completo. A reír:

viernes, 11 de septiembre de 2009

¿A dónde va Disney?/IV: El Planeta del Tesoro **1/2

"Will the real Long John Silver please stand up?"
Continúa la miniserie sobre Disney, donde hago una retrospectiva de los estrenos cinematográficos animados de esta legendaria casa en lo que va del siglo XXI.
(Treasure Planet, EUA 2002) Clasificación ‘A’
Calificaciones: ****Excelente ***Buena **Regular *Mala

Disney lo ha hecho otra vez. Un clásico pasado por agua, con una hechura sin embargo impecable y con los exitosos elementos propios de esta casa productora, El Planeta del Tesoro toma la inmortal novela La Isla del Tesoro de Robert Louis Stevenson para entregar una historia que es una cruza entre las aventuras de Jim Hawkins y las de Luke Skywalker.

Ron Clements y John Musker, el mismo equipo de Hércules, Aladino y La Sirenita, enrolan a Jim en un viaje más parecido a La Guerra de las Galaxias que al clásico de Stevenson, en un futuro en el que los galeones del siglo 18 son reemplazados por naves espaciales exactamente iguales a, bueno, barcos del siglo 18. Algunos toques agradables incluyen la sustitución de la Hispaniola por la RLS Legacy, en homenaje al escritor, así como las adaptaciones que se hacen de algunos de los personajes originales, como Long John Silver, el mutilado pirata, aquí convertido en cyborg, y Ben Gunn, el pirata abandonado en La Isla del Tesoro, aquí B.E.N., un robot que ha perdido su módulo de memoria. En cuanto a la animación, se combinan exitosamente fondos generados por computadora con personajes dibujados a mano. Nuevamente, viva la tecnología.

En lo que hace a la versión doblada, la voz más notable resulta también la mayor falla. Humberto Vélez, el actor que hace a John Silver, no consigue sacudirse totalmente a su personaje más famoso, Homero Simpson, disminuyendo en consecuencia el impacto de Silver en las escenas en que se supone sea amenazante y maquiavélico, sonando en su lugar tan efectivo como, precisamente, Homero Simpson tratando de ser amenazante y maquiavélico. En cambio, su trabajo en las escenas en que conecta con Jim es mucho mejor, consiguiendo una ternura y empatía muy convincentes. Por su origen literario, El Planeta del Tesoro es un buen entretenimiento para niños no tan pequeños y adultos que comparten el gusto por las aventuras de piratas.
(Publicada originalmente el 18 de diciembre de 2002, en La Voz de la Frontera.)

miércoles, 9 de septiembre de 2009

RAED Septiembre: Semana 2

Lo prometido es deuda y aquí tienen, estimados lectores, la programación para esta segunda semana de septiembre, de la Red Alternativa de Exhibición de Documentales. También agrego la lista de sedes de la RAED, para mis cuatro lectores regados por distintos lugares del mapa mexicano.

En este ciclo, la RAED exhibe documentales galardonados en la categoría Indígenas del V Encuentro Hispanoamericano de Cine y Video Documental Contra el Silencio Todas las Voces.

La información, cortesía de Adolfo Soto y nada más y nada menos que del responsable del blog de la propia RAED, que ha tenido a bien agregarse como "seguidor" de este changarro que se hace llamar Joel Vs. Los Monstruos. Ahora sí, por fin le encontré un buen uso al asunto de los "seguidores". Muchas gracias, por cierto, tanto a Adolfo como a la RAED.
-O-
Programación de la segunda semana de septiembre, que los cachanillas pueden ver este Jueves 10, a las 5:30 pm en el Aula Magna de la Facultad de Ciencias Humanas de la UABC. Para el resto de las ciudades sede, sigue la lista y días de exhibición, que también pueden consultar aquí.

Sipakapa No Se Vende
Guatemala / 2005 / Color / 55:40 min.

(Mención Honorífica otorgada por el Jurado de esta Categoría)
La empresa transnacional Glamis Gold explota una mina de oro a cielo abierto en Guatemala. El pueblo Maya de Sipakapa rechaza la explotación minera en su territorio y defiende su autonomía frente al avance de los grandes proyectos neoliberales.
Realización, Guión y Fotografía: Álvaro Revenga; Producción y Edición: Álvaro Revenga y Nora Murillo; Sonido: Ladan Mehranvar; Postproducción de imagen y sonido: Manuel Cobox; Música original: Marimba Folclórica Kaqchikel, Alí Primera, Amparanoia, Ranferí Aguilar, César Dávila y Somos Tambogrande; Animación: Álvaro Revenga y Manuel Cobox; Idioma original: Español.
-O-
Lista de sedes de la RAED en México, D.F.:
Casa de Cultura Aztahuacán
Viernes 16 hrs.
Sala de Lectura Max Rojas
Av. Circunvalación s/n esq. calle Viveros,
Pueblo Santa María Aztahuacán, Iztapalapa, México, D.F.
Tel. 5692 8504
http://casadeculturaaztahuacan.blogspot.com

Casa de Cultura Flamingos
Viernes 16:00 hrs.
Andador Sur esq. Playa Flamingos.
Col Militar Marte
Tel. 5633 1072

Casa de Cultura Impi-Picos
Federico G. Batting y Esq. J. Salk s/n
Col. Impi-Picos
Viernes 16:00 hrs.
Tel. 5648 4678

Casa de la Cultura de Azcapotzalco
Viernes 18:00 hrs.
Av. Azcapotzalco 605
Col. Azcapotzalco
CP 02000, Azcapotzalco
Tel. 5352 8014

Casa del Lago Mtro. Juan José Arreola
Sábados 17:30 hrs.
Sala Lumiere
Paseo de la Reforma esq. con Gandhi. Antiguo Bosque de Chapultepec, 1a. Sección
Col. San Miguel Chapultepec
CP 11850, Miguel Hidalgo, D.F.
Tel. 5553 6362
http://www.casadellago.unam.mx/

Centro Cultural José Martí
Miércoles 16:00 hrs.
Doctor Mora 1, Col. Centro Histórico,
Del. Cuauhtémoc,
Tel. 5521 2115

Centro Cultural Xavier Villaurrutia
Jueves 19:00 hrs.
Glorieta de Insurgentes loc. 12,
Metro Insurgentes
Tel. 5511 6922
www.myspace.com/kabinete_dr_gusapius

Claustro de Sor Juana
Miércoles 18:00 hrs.
Calle Regina, entre Bolivar e Isabel la Católica
Tel. 5130 3300
www.ucsj.edu.mx"

Faro de Milpa Alta
Miércoles 17:00 hrs.
Av. Gastón Melo 40, Planta Alta,
Pueblo de San Antonio Tecómitl
CP 12100, Milpa Alta, Distrito Federal
Tel. 5847 7590

Faro de Oriente
Miércoles 17:00 hrs.
El Tunel
Calzada Ignacio Zaragoza s/n, entre Cedros y Pinos,
Col. Fuentes de Zaragoza (entre el metro Acatitla y Peñón Viejo)
Del. Iztapalapa
Tel. 5738 7442

Faro Cultural y Recreativo Iztacalco
Viernes 16:00 hrs.
Sala de Proyecciones
Oriente 255, entre Sur 24 y Sur 28,
Col. Agrícola Oriental, delegación Iztacalco.
Tel. 5758.8486

Sala de Arte Paco Ignacio Taibo I
Viernes 16:00 hrs.
Plaza Jesús Romero Flores s/n,
Col. Cuchilla Ramos Millán

Videoteca Manuel Álvarez Bravo
Av. Azcapotzalco y Jerusalén, Col. Azcapotzalco
Jueves 16:00 hrs.
Tel. 5561 0188

Sede en Puebla, Puebla:
Instituto de Educación Especializada
Jueves 18:00 hrs.
Rosas 236, Col.Bugambilias,
Puebla, Pue., C.P.72580
(01222) 264 1064
www.icepuebla.com

Sede en Ensenada, B.C.:
Universidad Autónoma de Baja California
Sala D-9
Unidad Valle Dorado

Universidad Autónoma de Baja California
Facultad de Ciencias Administrativas y Sociales, Martes 11:00 hrs.
http://fcays.ens.uabc.mx/
Tel. 01 646 176 66 00 ext. 105

La noche de un día difícil ****

Justo acabo de terminar de ver, por internet, el concierto de Paul McCartney en vivo desde México D.F. Aquí va de nuevo mi única reseña a la fecha de algo de Los Beatles.
Nota original del 9/09/09: Habrá que oir los nuevos discos remasterizados. Mientras tanto, cada quién con su colección. Aquí mi pequeño homenaje:
(A hard day’s night, Reino Unido 1964) Clasificación ‘B’
(Originalmente:) A George Harrison.
(Ahora: A los cuatro. Por supuesto.)

La noche de un día difícil es mucho más que una película con canciones de rock y Los Beatles como protagonistas. Es, por definición, la primera verdadera película sobre el rock. Encomendada a Richard Lester (quien, después de varios desaciertos en los 80’s, también dirigió la excelente Get Back en 1991, en lo que fuera el regreso de Paul McCartney a sus raíces liverpoolianas), la cinta nos muestra un supuesto día entero con esas nacientes estrellas del rock británico, desde el momento en que abordan un tren para escapar de una horda de adolescentes fanáticos, hasta su presentación en vivo en la televisión inglesa.

Sin ser un verdadero documental, aunque la fotografía y el montaje así lo sugieran la mayor parte del tiempo, la película divierte gracias al guión (nominado al Oscar) de Alun Owen, en una serie de sketches interpretados alegre y casualmente por los jóvenes Beatles. Insertos están 14 números musicales que inician con la canción del título, en la famosa y frenética escena de la persecución, para continuar con rolas como “Debí saberlo”, “No puedo comprar amor”, “Y la amo”, entre otras y, por supuesto, en la secuencia culminante, durante el concierto televisado, la fenomenal “Ella te ama”, ante un público que grita una y otra vez los nombres de sus ídolos, al borde del éxtasis.

Seguramente cuando se estrenó en el ’64, La noche de un día difícil abarrotó cines por semanas enteras alrededor del mundo. Y seguramente las escenas de histeria en la pantalla se extendieron a los asistentes en cada sala, con jovencitos y jovencitas gritones, que ese mismo día iniciaron un viaje que no terminarían hasta bien entrados los 70’s.

Ahora, lamentablemente, sólo algunos adultos y uno que otro adolescente nos hemos dado cita en las salas locales para ver (volver a ver, en más de un caso) a los cuatro de Liverpool haciendo sus pininos en el séptimo arte. Apenas rebasando los veinte años, John, Paul, George y Ringo jugaban a ser estrellas, desbordando todo el gozo de su juventud, rompiendo reglas, imponiendo otras nuevas, inmortalizados, los cuatro juntos por primera vez y para siempre.
(Publicada originalmente el 14 de noviembre de 2001 en La Voz de la Frontera, por el reestreno en México en ese año.)
¡Súbale el volumen a sus bocinas!

viernes, 4 de septiembre de 2009

Extraños avistamientos

"Reaparece Castro; luce buen aspecto en foto
Una imagen del ex presidente de Cuba acompañado de un parlamentario chino muestra a Fidel con un semblante saludable
Notimex/El Universal
La Habana, Cuba Viernes 04 de septiembre de 2009

El líder cubano Fidel Castro apareció hoy en una nueva foto, estrechando con fuerza la mano del presidente del Parlamento chino Wu Bangguo, quien concluyó el jueves una visita oficial a Cuba.
Esta vez el ex gobernante aparece con una camisa a cuadros, con fondo color vino, conversando en el jardín de una residencia, como muestran los diarios oficiales Granma y Juventud Rebelde, en un nuevo cambio público de indumentaria en lo que va de mes..."
Lea el resto aquí.

En más noticias:
Otro extraño avistamiento que mantiene a la ciencia en ascuas:

miércoles, 2 de septiembre de 2009

Red Alternativa de Exhibición de Documentales

Excelentes noticias para los cinéfilos cachanillas (programación actualizada abajo):
Mexicali le entra a la Red Alternativa de Exhibición de Documentales, cortesía de Adolfo Soto y Kamikaze Producciones de la UABC.Jueves de Cine Documental
en la Facultad de Ciencias Humanas de la UABC

La FCH Mexicali se une a la Red Alternativa Exhibidores de Documental.
Todos los jueves.
5:30 PM
Aula Magna
Entrada Libre


Esto dijo El Financiero de la RAED.
Para mis tres amables lectores cachanillas, a continuación la programación de mañana jueves 3 de septiembre (y para el resto de ustedes, masoquistas seguidores del blog, prometo publicar pronto la programación de las otras sedes de la RAED).
-O-
Saúde e Alimentação do Povo Xavante. Dahözé õ duré a’ Uwe’ Ubomro Sazé (Salud y Alimentación del Pueblo Xavante)
Brasil / 2007 / Color / 31:11 min.

(Premio Ex-Aequo otorgado por el Jurado de la Categoría Indígenas)
El anciano mas viejo de la aldea Wedera de la tierra indígena de Pimentel Barbosa en Mato Grosso, “Cidaneri”, cuenta cómo era la alimentación del pueblo Xavante antes del contacto con los blancos; explica también por qué los indios Xavante están quedándose más enfermos después de haber sido introducidos los alimentos industrializados como el azúcar, los refrescos y la comida chatarra que son muy apreciados por los indios. Este cambio en la alimentación, entre otros factores, causa en los adultos enfermedades que habían sido inexistentes como la obesidad, presión alta, enfermedades del corazón y diabetes. El video también enseña a las madres a cuidar de sus hijos cuando ellas están infectadas por enfermedades traídas con el contacto como la gripe, neumonía y diarreas, principales causas de muerte en los niños de cero a seis años. Este video fue realizado durante el Proyecto de Nutrición Infantil para el Pueblo Xavante y fue gravado durante el año de 2006 al 2007 con el apoyo de la UNESCO - Niño Esperanza. El video fue realizado completamente por los jóvenes Xavante, desde la grabación hasta la edición final con la orientación de los ancianos de la aldea Wederã.
Realización, Fotografía y Postproducción de sonido: Jony Xavante y Leandro Parinai´á; Guión: Caimi Waiassé y Alfredo Dias D´Almeida; Producción: Nossa Tribo; Sonido: Felipe Ino y Leonardo Engelmann; Edición: Caimi Waiassé, Leandro Parinai´á y Jony Xavante; Postproducción de imagen: Jony Xavante, Leandro Parinai´á, Jander Minesso y Lighia Souza; Música original: Comunidade Xavante Wederã; Animación: Jander Minesso; Idioma original: Xavante con subtítulos en portugués.
-O-
Koka_Zero
Dinamarca-Bolivia / 2005 / Color / 43 min.

(Mención Honorífica otorgada por el Jurado de la categoría Indígenas)
Koka_Zero es una síntesis de la historia de la hoja de coca en Bolivia que, de un producto benéfico para la salud del hombre Andino pasó a tener condición de planta dañina. Koka_Zero hace un resumen del cómo y por qué se crearon las leyes que prohíben la comercialización y uso de la hoja de coca a nivel internacional y cuáles son las consecuencias de estas políticas en Bolivia, la cual se ve obligada a soportar las leyes injustas, la corrupción y el abuso de poder que genera la llamada “guerra contra el narcotráfico”. Diversas personalidades del mundo político e intelectual boliviano nos hacen un recuento de esta problemática que, a pesar de ser tan cruda, la muestran con ironía, ternura y sentido del humor.
Realización, Guión y Producción: Martha Gutiérrez Flores; Fotografía: Guillermo Aguirre; Sonido: Luis Rojas; Edición: Jesper Bloksgaard; Música original: Wilca Mayu; Idioma original: Español.

domingo, 30 de agosto de 2009

Rambo IV

No ví Rambo IV (Rambo) en su estreno, así que este fin de semana en un momento de ociosidad me la aventé en un DVD R1 muy pobre, sin ningún extra, excepto los avances de cine.

¿Soy yo, o Rambo es más chillón de como lo recordaba?



Perdón, corto equivocado. Pero si no me creen, chequen la expresión de Rambo aproximadamente en la marca de 1:25 min. en el corto de la película:



Aquí es sólo una vez, pero en la hora y quince minutos que dura la película, Rambo pasa como... una hora como el nuevo Indio Llorón. En serio.

lunes, 17 de agosto de 2009

Fuerza-G *

(G-Force, EUA 2009) Clasificación 'AA'
Calificaciones ****Excelente ***Buena **Regular *Mala

Caí. Lo admito. En mi defensa, históricamente Disney no ha hecho malas películas de acción viva con animales. Y Jerry Bruckheimer, después de todo, hizo dos muy buenas con la serie de Los Piratas del Caribe. ¿No?

Bueno. Para empezar, Fuerza-G no es una película de acción viva con animales. Es una película de acción viva con animales dibujados y animados por computadora. Roedores, de hecho, lo que no la aleja mucho de Alvin y Las Ardillas y me debió haber servido de advertencia. Por otro lado, con el asunto de Bruckheimer y Los Piratas del Caribe... debería yo saber, a estas alturas, que el rayo no cae dos veces (bueno, tres veces, como se demostró con la larguísima y malísima tercera entrega sobre Jack Sparrow) en el mismo lugar. Malo.

Fuerza-G inicia con una misión de espionaje al estilo James Bond, con escenas al estilo Jerry Bruckheimer/Michael Bay: la cámara sigue a los personajes principales sin descanso girando, además, sobre sus ejes y atrayendo la atención a sí misma. Y si tomamos en cuenta que los personajes principales son unos cuyos (cobayas, conejillos de Indias o como les quiera llamar... no importa al final, porque son dibujados) y una mosca (dibujada también) que se infiltran en una fiesta corporativa entre humanos de tamaño normal, podrá imaginarse usted que la cámara se mueve rapidísimo y de un lado a otro incansablemente. Mientras tanto, los cuyos no paran de hablar entre sí acerca de su misión, con parlamentos que tienen como objetivo explicarnos, en este prólogo de 10 minutos, cuál será su objetivo, sus obstáculos y sus medios para resolver todo el asunto. El resultado es que no pude entender muy bien qué estaba pasando ni dónde estábamos parados. Por lo pronto pude ver en algunas de las inquietas y artísticas tomas giratorias a Bill Nighy. Desde adentro de su nariz.

De repente, los cuyos dijeron (y les tuve que creer) que habían cumplido su misión, salieron corriendo de la fiesta y fueron correteados por un doberman que no los alcanzó. Chin. Inmediatamente después les cerró el paso un camión que casi los atropella. Casi. Doble chin. Del camión salió un exterminador de plagas que los roció con algún polvo. Corte directo al interior del camión, donde se descubre que el exterminador de plagas es Alvin, digo, el entrenador de los cuyos (y la mosca) y los cuyos siguen vivos. Triple chin.

Lo que sigue es una película de Jerry Bruckheimer que imita el patrón de las películas de acción/películas de Bond, todo visto desde la prespectiva de los roedores (y la mosca), desperdiciando una y otra vez la oportunidad de detener por un momento la cámara y mostrarnos qué está explotando, dónde y para qué. Hay una secuencia que involucra unos pequeños vehículos esféricos de alta velocidad que manejan los cuyos, mientras son perseguidos por las calles de Los Angeles por agentes del FBI en camionetas negras, que culmina en un amplio estacionamiento de un centro comercial repleto de fuegos artificiales, que por supuesto harán explosión al pasar por ahí los cuyos y sus perseguidores. Y la mosca. ¿Creerá usted que todo eso lo tuve que adivinar, porque lo que eligen mostrarnos Bruckheimer y su director debutante, Hoyt Yeatman, son close-ups de los cuyos y de los federales humanos? Y de la mosca. Mientras son iluminados por las explosiones que ocurren fuera de cuadro. En cámara lenta.

Voces en Español de Jorge Arvizu como un topo que es un topo (en Inglés el chiste funciona, disculpe usted), Polo Ortín como un cuyo al que lamentablemente le tocó ser el personaje pedorro (ni modo, ante lo confuso y poco atractivo de todo el asunto, había que hacer reír a los menores de seis años de alguna manera y me consta, por mi pequeño acompañante), otras varias voces irreconocibles por mí y Humberto Vélez como un hámster que sí hace reir. En sus escenas la cámara siempre está fija, por cierto.

Ah, sí: Bruckheimer manda su carta de amor a Michael Bay y nos muestra un Transformer gigante hecho con electrodomésticos, que ataca a los cuyos. Y a la mosca. Por algo así como un minuto. Antes de explotar. En cámara lenta.

sábado, 15 de agosto de 2009

¿A dónde va Disney?/III: Lilo y Stitch ***1/2

Nota: Continuando con esta breve serie sobre Disney, aquí mi reseña de Lilo y Stitch al momento de su estreno.
(Lilo & Stitch, EUA, 2002) Clasificación ‘AA’
Calificaciones: ****Excelente ***Buena **Regular *Mala

El verano arranca muy bien por cortesía de la casa Disney, con Lilo y Stitch, una muy divertida y refrescante reelaboración de E.T. El Extraterrestre. Dean Deblois y Chris Sanders (guionista de Mulan, 1998) escriben y dirigen conjuntamente esta cinta que utiliza principalmente animación tradicional y fondos pintados a mano e incluye canciones del Rey. Elvis, por supuesto.

Para estar a tono con el otro título que plaga la cartelera estos días (Nota: en esos días se estrenaron también Episodio II y Hombres de Negro 2), en una galaxia muy lejana, un pequeño y peligroso monstruo, el experimento 626, escapa de sus creadores para llegar por accidente a la Tierra, en Hawai, para ser más exactos. Ahí vive Lilo, quien es cuidada, hasta donde es posible, por su hermana mayor, bajo la supervisión de un trabajador social que más bien parece un Hombre de Negro, a la Will Smith con esteroides. Para Lilo, tener amigos no es fácil, así que el terrible 626 le llega como caído del cielo, literalmente y es rebautizado como Stitch.

Lilo y Stitch divierte de principio a fin, utilizando varias de las fórmulas casi casi patentadas por Walt Disney e introduciendo algunas nuevas para esta compañía, como ciertas escenas que parodian no sólo películas muy conocidas (la propia Hombres de Negro incluída), sino también a algunos de los personajes de la familia Disney.

No cabe duda: en vista de sus últimos estrenos (Atlantis, Monsters, Inc. y ahora Lilo y Stitch), Disney no se ha dormido en sus laureles ante la franca y bienvenida competencia en el cine animado. Notable también es el hecho de que se haya escogido música interpretada por Elvis y no únicamente como mero fondo musical, sino como parte integral de la narrativa. Esto, junto con una historia sincera y chispazos de humor dirigidos al público mayor, hacen de Lilo y Stitch una cinta muy disfrutable por niños y adultos.
(Publicada originalmente el 10 de julio de 2002, en La Voz de la Frontera.)

viernes, 14 de agosto de 2009

¿A dónde va Disney?/II: Atlantis, El Imperio Perdido ***

Nota: A diferencia de la primera entrada de esta serie, lo que sigue no es un artículo publicado en el momento del estreno de la película, sino más bien mis impresiones, que compartí por correo electrónico con Ernesto Diezmartínez después de verla en el cine, como era mi costumbre en ese entonces (en retrospectiva, creo que ahora entiendo por qué mi crítico de cabecera me animó a publicar en algún medio impreso: para que lo dejara en paz con estas reseñas exclusivas...). Nótese, al final, mi optimista predicción del camino que pensaba que Disney tomaría en esta primera década del siglo XXI.
(Atlantis: The Lost Empire, EUA 2001) Clasificación 'AA'
Calificaciones ****Excelente ***Buena **Regular *Mala

Atlantis resulta muy efectiva en el primer intento de Disney por apelar al mercado adolescente con animación. Tal vez la confusión de ser "Disney's" hace que las salas se llenen de papás con niños menores de 8 años (en la función de ayer éramos como dos adultos por cada cuatro niños, la mayoría chiquitos... por supuesto que los adolescentes NO van al cine con sus jefes), pero le dieron PG por varias escenas de violencia y creo que -para variar- está bien clasificada.

El estilo de dibujo y animación le debe más al comic moderno que al cine tradicional de Disney y las escenas de acción son espectaculares, si bien algunas extremadamente violentas. Te recomiendo que la veas primero antes de llevar a Viridiana, no vaya a ser.

Michael J. Fox en la voz del héroe y James Garner como el capitán de la expedición se avientan al ruedo de las animaciones con buen resultado, en una película de acción con comedia moderada, sin animales parlantes ¡y sin canciones!

Se me hace que después de ésta, Disney se va a aventar una para toda la familia y otra así cada año. El resultado mostrado en Atlantis no es para menos.

jueves, 13 de agosto de 2009

Cómo perder a tus amigos **

(How to Lose Friends & Alienate People, UK 2008) Clasificación 'B-15'
Calificaciones ****Excelente ***Buena **Regular *Mala

Un archiconvencional melodrama-de-cajón-para-comedia-romántica ahoga lo que, se adivina, podía haber sido una irreverente exposición satírica del mundo del periodismo de espectáculos en los Estados Unidos, al estilo de The Devil Wears Prada con el periodismo de las modas (que también, por cierto, sufrió de las convenciones de la comedia romántica, pero tiene a su favor sacar todo el jugo a Meryl Streep; acá, Jeff Bridges en un papel similar y bueno como es, sólo aparece en la película porque, supongo, es Jeff Bridges).

La única razón para ver Cómo perder a tus amigos: Simon Pegg. Más específicamente, la escena donde Simon Pegg berrea, a todo lo que su alcoholizado ser le permite, en una celebración del 4 de Julio en una finca campirana neoyorquina, "¡ENGA-LAND! ¡ENGA-LAND! ¡ENGA-LAND! ¡¡¡Oi, Orlando, tú eras Inglés!!!"

Busqué el clip en los sitios usuales de videos compartidos, sin éxito, para publicarlo aquí. Así que le recomiendo lo que hice yo, estimado lector: rentarla barata ($15 pesos en mi caso -apenas poco más de un dólar) para carcajearse con esa escena. Si gusta, revise el resto. Danny Huston siempre me hace sonreir, Kirsten Dunst siempre es agradable y Megan Fox se ríe de Megan Fox.

domingo, 9 de agosto de 2009

¿A dónde va Disney?/I: Peter Pan: El regreso al País de Nunca Jamás **

Con este artículo inicio una pequeña revisión del rumbo que Disney ha tomado a lo largo de los años; intentaré, como consecuencia, encontrarle sentido a mis impresiones del estreno más reciente de la legendaria casa de animación: Bolt. Espero sea de su interés.
(Return to Never Land, EUA, 2002) Clasificación ‘AA’
Calificaciones: ****Excelente ***Buena **Regular *Mala

Peter Pan vuelve a la pantalla grande después de 49 años, en una innecesaria secuela al clásico animado, también de la casa Disney. Esta vez los ejecutivos de la poderosa productora parecen haber decidido que el público del siglo XXI ha cambiado bastante como para aceptar la inocencia del cuento original, así que han introducido un conflicto real en una historia de hadas: la guerra. ¿Valía la pena?

Hay una razón por la que Peter Pan, personaje e historia han funcionado siempre, desde su estreno en los escenarios de Londres en 1904: la simplicidad. La historia de un niño que no quiere crecer ideada por Sir James M. Barrie nunca ha sido compleja. En la adaptación más famosa, la citada versión de Disney de 1953, el conflicto de Wendy es presentado simplemente así: ha llegado su última noche en el cuarto de los niños. ¿Por qué entonces insertar a Wendy y a Jane, su hija, en el contexto de la Segunda Guerra Mundial? Para quienes sabemos lo que dicha guerra significa, no es nada grato ver en pantalla bombardeos y niños aterrorizados corriendo por las calles, cuando lo que buscábamos era una aventura de nuestro querido Peter Pan. Tengo una amiga cinéfila de hueso colorado que sin embargo se rehúsa sistemáticamente a ver cintas de guerra por el impacto que le causan. Puedo imaginar su reacción al acompañar a su hija a ver esta película sin la advertencia de las escenas iniciales.

Es cierto que una vez trasladada la acción a Nunca Jamás las cosas cambian. O mejor dicho, no cambian: Garfio (en esta ocasión y con justicia el excelente Loco Valdés en Español) continúa sus planes para acabar con Peter Pan, mientras algún hambriento animal lo persigue por media isla. Los Niños Perdidos aún lo están, las sirenas le tiran el chon (o mejor dicho las aletas) a Peter, y los indios... este... los indios brillan por su ausencia. ¿Otra historia revisada ante la corrección política de los Estados Unidos? Fuera de este pequeño gran detalle, las aventuras son muy similares a la primera película, historia reciclada al fin. Por lo mismo, el regreso a Londres es inevitable. Si la elección fuera mía, yo me quedaría en Nunca Jamás a buscar a la desaparecida Princesa Tigrilla. Y mandaría a Peter Pan a rescatar de los bombardeos al resto de la familia.
(Publicado originalmente el 10 de abril de 2002, en La Voz de la Frontera.)

viernes, 7 de agosto de 2009

¡Tómense el día libre!

Otra razón para que las distribuidoras reestrenaran películas en cine. Imaginen la escena en una pantalla gigante, en un cine repleto...
R.I.P., John Hughes.

lunes, 3 de agosto de 2009

Terminator La Salvación ***

(Terminator Salvation, EUA 2009) Clasificación 'B-15'
Calificaciones: ****Excelente ***Buena **Regular *Mala

Más que una reseña, van mis consideraciones sobre esta cuarta entrega de la serie de Terminator.

Me gustó Terminator La Salvación. Como realmente no recuerdo nada de Los Angeles de Charlie, excepto el rítmico trasero de Cameron Díaz, creo que puedo decir que la gracia del mentado McG, director de aquella y ésta es montar escena de acción tras escena de acción, basado, al parecer, en la premisa de que para que haya acción tiene que haber al menos un robot en pantalla: Cada vez que se empieza a atorar la trama, de alguna orilla aparece algún robot, cada uno con distinta forma que puede ser un humanoide, una nave, un brazo, una culebra... a chiflar la borrega, recordándome el mote con que rebautizamos en su momento la película original de 1984: Aferreitor.

He leído quejas (Diezmartínez, Ebert) sobre la seriedad con que se aborda la franquicia del Terminator en esta ocasión y comparada con las tres películas anteriores, salpicadas a partir de la primera y de manera creciente, de buen humor y finalmente franca comedia. Mire: McG sí se toma muy en serio todo el asunto pero cumple con los tres requisitos que le había puesto antes de verla:

1. Que salgan robots asesinos al por mayor (bueno, creo que sólo los ví matar como a tres personas, pero sí me dieron ansias).

2. Que alguien diga "I'll be back".

3. Que aparezca Ah-nold (definitivamente no sería Terminator si no apareciera Arnold Schwarzenegger; viva la tecnología que hizo posible una de las mejores secuencias de Terminator La Salvación).

Tres disfrutes adicionales:
1. Ver cómo el equipo dirigido por McG logró que los robots con forma humana y las navecillas -y navezotas- robots se vieran como, pero mejorando, los de Stan Winston (a quien está dedicada la cinta, con justicia) en los flashbacks/flashforwards de la primera película de Cameron. Tengo entendido que Winston sí alcanzó a trabajar en esta cuarta entrega antes de fallecer, aunque la ilusión de las proporciones en esas escenas del futuro en Terminator nunca me han parecido bien logradas (lo mismo en las secuencias de miniaturas en Aliens, también de Cameron y realizadas por Winston, por cierto). Recuerdo que cuando la ví no podía más que ver maquetas. En esta nueva versión de ese cercano mundo postapocalíptico, todo se ve muy creíble. Nuevamente, viva la tecnología.

2. Igualmente disfruté todas las referencias visuales a la primera película (un robot humanoide, rifle en mano, recorriendo la pantalla en primer plano; un pie mecánico aplastando un cráneo humano, etc.)

3. Bryce Dallas Howard como la esposa de John Connor. Qué puedo decir: lo mejor que ha hecho Ron Howard (y sé que al menos uno de mis cuatro lectores estará de acuerdo).

En cuanto a lo demás (John Connor, Kyle Reese, la resistencia organizada/desorganizada), creo que sirve para rellenar el espacio y mantener viva la franquicia, aunque el final sea muy obvio a este respecto. Veremos en unos años más qué se le ocurre a algún otro productor.

Domo arigato, Mr. Roboto,
Himitsu wo shiri tai.

miércoles, 22 de julio de 2009

La Era de Hielo 1 y 3

La Era de Hielo 3 ***1/2
(Ice Age 3: Dawn of the Dinosaurs, EUA 2009) Clasificación ‘AA’
Calificaciones ****Excelente ***Buena **Regular *Mala

Qué Era de Hielo ni qué nada. Olvídese usted de tríos cursis de mamuts, tigres y perezosos (esa improbable idea no daba más que para una película). Nada de humanos mudos y chillones (ídem), ni reelaboraciones del arca de Noé (o al menos es lo que alcanzo a recordar de la segunda película, de la que esta tercera entrega tiene el buen tino de rescatar únicamente a esa pareja de zarigüeyas parlanchinas y cobardes).

Dirigida por Carlos Saldanha, La Era de Hielo 3 se convierte en la mejor de la serie al usar a sus personajes centrales simplemente como presentadores de la verdadera película: una especie de reelaboración de ese Mundo Perdido que nos ha maravillado en el cine desde sus inicios porque, ¿a quién no le gustan los dinosaurios? Además presenta a un nuevo personaje, Buck: una marmota tuerta básicamente tumbada del burro y que es una suerte de Capitán Ahab cruzado con el Stalker de Tarkovski, que no es nada sin su gran bestia blanca ni sin esa Zona de la cual sólo él conoce los secretos.

En el encuentro con el orate Buck (voz de Simon Pegg en Inglés), La Era de Hielo 3 se transforma en lo que adivino como el futuro de la serie. Pronostico al menos dos películas más en donde el mamut, el tigre y el perezoso continuarán sus viajes y se encontrarán con nuevos personajes excéntricos en escenarios exóticos, donde la historia girará frenéticamente en torno al invitado en turno. Vamos, una especie de Viaje a la Prehistoria (o Stone Trek, pues), donde ningún mamut ha ido antes.
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En cuanto a Scrat, la ardilla dientes de sable histérica que eternamente corretea a una nuez, aunque hacia la mitad se empieza a hacer cansado el asunto de enfrentarlo a una ardilla hembra, esta vez protagoniza un momento realmente inspirado al quedar atrapada, junto a la nuez y la otra ardilla, en burbujas flotantes de brea. Sí, todavía veremos más de esa ardilla y esa nuez.
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La Era de Hielo ***
(Ice Age, EUA 2002) Clasificación ‘AA’

La Era de Hielo llega como una muy agradable sorpresa de inicio de Primavera, y se convierte en la mejor opción de entretenimiento para los ociosos pequeños, ahora en vacaciones, y para los papás de los enanos, con doble trabajo por la misma razón. Una historia sencilla y sin pretensiones, donde la amistad y la buena voluntad deben triunfar, sirve como marco para una serie de escenas cómicas y de acción muy efectivas.

Destaca el doblaje al Español en los tres personajes principales, Jesús Ochoa como Manfred el mamut, Sergio Sendel como Diego el tigre dientes de sable y Carlos Espejel como Sid el perezoso. Los tres se lucen creando a sus personajes, pero es Carlitos Espejel quien parece haber encontrado finalmente su nicho, después de varios años de intentar infructuosamente hacer una carrera como actor adulto de comedia. Bien por el ex-Chiquidrácula.

En cuanto a la animación, esta vez el turno es de la 20th Century Fox de lanzarse al ruedo de la creación ayudada por computadora, instalándose ya como un serio contendiente. Dirigida por los animadores Chris Wedge y Carlos Saldanha, oscareados en 1998 por el corto “Bunny”, La Era de Hielo puede considerarse como el nieto en línea directa la seminal cinta Tron (1982), en la que Disney combinara acción viva con escenarios y personajes creados en la computadora. Wedge fue uno de los programadores de animación para este original concepto y ahora nos muestra cómo las cosas han cambiado en 20 años. Los personajes de la Era de Hielo, además de un diseño muy original, se mueven con una fluidez natural en escenarios muy bien logrados, especialmente aquellos donde aparece agua en movimiento. Viva la tecnología al servicio del arte.
(Publicada originalmente el 27 de marzo de 2002, en La Voz de la Frontera.)

domingo, 28 de junio de 2009

(Dijera Diezmartínez) Pídala cantando: Thriller.

Además de votar por Abif Muñoz en cada elección, el Duende Callejero también solicita complacencias en este blog que pocas veces hace honor a su nombre. Así que aquí va esta gran peliculita de monstruos ochenteros (1983, para ser más precisos) de John Landis, en la tradición de su Hombre Lobo Americano en Londres (1981).

Y citando al también grande Vincent Price: ¡AH JA JA JA JA JA!

jueves, 25 de junio de 2009

Juventud, divino tesoro

... y cumplió treinta. Farrah se le volvió a adelantar a Michael York. RIP.
(Otra gran tarde de cine en mi infancia, por cierto.)

jueves, 18 de junio de 2009

"¡Noooormaaaan!"

"Señor, ¿su licencia va a ser de automovilista o de chofer?"

Se disfraza de su madre muerta para seguir cobrando la pensión
AP
El Universal
NUEVA YORK Miércoles 17 de junio de 2009

"Irene Prusik lleva seis años muerta, pero en abril alguien se presentó en el Departamento de Vehículos a Motor en Brooklyn para renovar su licencia de conducir.
[...]
Thomas Parkin, de 49 años, ideó el plan estrafalario de suplantar a su madre para poder seguir cobrando su pensión y otros beneficios del gobierno por un total de 117 mil dólares, dijeron los fiscales..."

La nota completa sobre el mantenido, aquí.

domingo, 14 de junio de 2009

El Engaño *

Año de crisis mundial y sin un buen verano fílmico, esto me pasa por refugiarme a ciegas en DVDs.
(Deception, EUA 2008)
Calificaciones ****Excelente ***Buena **Regular *Mala

Tome nota: Hugh Jackman, Ewan McGregor y Michelle Williams como participantes de un club de sexo anónimo en Wall Street, nada menos. Una trama al estilo Hitchcock nos revela al mentado club como el McGuffin de un engaño criminal en medio de una atmósfera prestada de Ridley Scott. El debut cinematográfico del director de comerciales Marcel Langenegger, escrito por Mark Bomback (de Godsend, esa joyita donde Robert De Niro es un científico loco) muestra las costuras muy temprano, derrapa a la mitad y de plano chafea en el tercer acto; lo que se vende como una cinta de suspenso erótico resulta, involuntariamente, en una excelente ilustración de su nombre. El engaño, ciertamente.

Una nota al margen: definitivamente Ewan McGregor es incapaz de hacer un acento convincente que sea distinto al suyo. Mucho tiene que aprender a su coestrella Jackman.

jueves, 11 de junio de 2009

El Canal de [Viaje a] las Estrellas

En vista de que los estrenos de esta temporada no dan para mayor discusión, divirtámonos un rato más con Star Trek.

Aquí, la buena nueva por parte de Trino:Y al día siguiente, todo mundo es un crítico:¿Y qué dijeron los verdaderos críticos? (Diezmartínez, pues).

Ahora, si usted no entendió ni jota de por qué Spock odia a Kirk, acá el Duende Callejero nos cuenta qué onda con Viaje a las Estrellas.

Y por último, puede usted leer mis bembadas al respecto, aquí.

Larga vida y prosperidad.